Must Listen Albums

(#91) 'Koyaanisqatsi', Philip Glass [1982]

2010-01-25T11:57:00.003+01:00

El compositor contemporáneo minimalista Philip Glass ganó su reconocimiento masivo a nivel mundial con esta obra, que en realidad compuso como banda sonora para el documental experimental de mismo título (puede verse completo aquí). Un trabajo que puede causar fascinación por las texturas que afloran (y que incuestionablemente marcan el estilo personalísimo de Glass) a la par que puede resultar molesto por su repetitiva estructura. Lo que parece claro es que Koyaanisqatsi funciona a la perfección como una experiencia auditiva irrepetible y como una experiencia total si se disfruta acompañada de las imágenes del film.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#90) 'Power, Corruption & Lies', New Order [1983]

2010-01-14T10:28:00.003+01:00

New Order, o el "spin-off" de Joy Division, alcanzaron rápidamente su entidad propia desmarcándose del tono que Ian Curtis obligaba en Joy Division. La mejor prueba de ello es este Power, Corruption & Lies, su segundo trabajo. Un disco de baile en el que predomina la electrónica aunque siempre manteniéndose cerca del pop. El tracklist original del disco no incluyó el exitoso single 'Blue Monday' que si aparece como tema extra en la edición remasterizada de 2008 (a la que va dirigido el enlace de más abajo). Los ocho temas originales del álbum son una colección esplendida de ritmos y buenos estribillos. Un álbum seminal. Un disco de cabecera para todo aquel que quiera seguir las enseñanzas de Kraftwerk acercándose al público masivo.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#89) '808s & Heartbreak', Kanye West [2008]

2010-01-13T22:00:00.004+01:00

El en ocasiones chico bueno del hip-hop, en ocasiones polémico y excéntrico personaje, Kanye West ha sido uno de los referentes de la escena musical negra norteamericana de la década. Ganador de muchísimos premios y autor de discos excelentes tanto bajo su nombre como en la producción. 808s & Heartbreak ha sido su último trabajo propio y en el momento de su edición no fue recogido con demasiado entusiasmo. Algo incompresible bajo mi punto de vista puesto que el disco es una joya de tono retro (la totalidad de las bases del disco fueron construidas utilizando el legendario Roland-TR-808) que habla de la ruptura sentimental. En el tratamiento de las voces, Kanye West utiliza sin temor alguno auto-tune consiguiendo efervescentes efectos. Su disco más pausado pero más trabajado, aunque en la primera escucha deje la sensación de entretenimiento.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#88) 'Bee Thousand', Guided by Voices [1994]

2010-01-08T17:29:00.004+01:00

Continuando con la baja fidelidad, una de las cimas del indie-rock de los 90. Guided by Voices registraron su séptimo disco con equipamiento no profesional. Conformaron una colección de 20 temas, la mayoría reinterpretaciones de temas antiguos no editados y todos rondando los 2 minutos de duración, en los que predominan las letras surrealistas y se rinde tributo a las bandas de la invasión británica y del periodo punk. Bee Thousand ha aparecido en numerosas listas de medios especializados como uno de los mejores discos de la década a la que pertenece.

Podéis (por fin) escucharlo en spotify por aquí.

(#87) 'Songs of Pain', Daniel Johnston [1981]

2010-01-07T00:15:00.003+01:00

El primer casete autoeditado por Daniel Johnston desde el sótano de la casa donde se crió. El comienzo de toda la historia. Estas canciones son los primeros síntomas de la genialidad y de la locura de uno de los artistas que más merecidamente llevan colgada la etiqueta de imprescindibles. Las evidentes deficiencias técnicas de la grabación, no son un impedimento para el disfrute de este disco, al contrario, se trata de un medio más (además de la calidad de las composiciones) para dejarse atrapar por el aterrador espíritu de Daniel Johnston. Después llegaría Kurt Cobain con la famosa camiseta, su aparición en MTv, sus escapadas de casa, sus experiencias lisérgicas, sus juergas con Sonic Youth o la memorable interpretación telefónica de Speeding Motorcycle, mientras Yo La Tengo tocaban en un estudio de radio. Un auténtico genio.

Podéis escucharlo con spotify por aquí.

(#86) 'Schmotime', Absentee [2006]

2010-01-05T10:56:00.004+01:00

Absentee son un quinteto británico de sonido norteamericano. Una banda que ofrece rock basado en el riff, con ascendencia country en las pausas. El grupo tras un par de referencias previas, grabó Schmotime en 2006 obteniendo una buena acogida por parte de la crítica, aunque su repercusión mediática fue mínima. La voz de Dan Michaelson es grave, alquitranada y alcohólica. Y sus letras nos lo presentan como el típico rockero capullo, pero puede que todo sea pose, porque escuchando 'Hey Tramp' te encuentras con la sensibilidad pop propia de gente como Paddy McAloon.

Podéis escucharlo con spotify por aquí.

(#85) 'Ferndorf', Hauschka [2008]

2009-11-04T10:50:00.005+01:00

Hauschka es un músico experimental afincado en Dusseldorf, Alemania; actualmente es uno de los exponentes de la técnica musical del piano preparado. Su valor es el haber combinado perfectamente la característica experimental del piano preparado (los nombres más representativos de la técnica siempre han sido asociados a la vanguardia más adelantada: John Cage, Henry Cowell o Christian Wolff) con la música pop. En Ferndorf se deja acompañar por algunos instrumentos de cuerda (violines, violas y violoncelos) y algún viento, todo con el objetivo de ampliar su abanico emocional. Ferndorf no es un disco fácil de asimilar. Funciona como experiencia musical avanzada de la misma forma que lo hacen los discos de Philip Glass, de quien suenan ecos en algunos pasajes del disco. Sorprenderá a quien nunca antes haya oído un piano preparado.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#84) 'It's too late to stop now', Van Morrison [1974]

2009-10-01T13:04:00.004+02:00

Ya he comentado alguna vez que el disco en directo no es un formato que me entusiasme. Habitualmente sólo es un artilugio comercial que no aporta nada a la discografía de un artista. Pero excepciones hay algunas, y algunas de ellas son de muchísimo valor. Éste es el caso de It's Too Late To Stop Now deVan "the Man" Morrison. El irlandés, con un buen puñado de grandes discos a sus espaldas, desde que comenzara su carrera musical al frente de Them, registró parte de sus actuaciones en Los Ángeles, Londres (este show fue el primer evento retransmitido simultáneamente en radio y televisión en estéreo) y Santa Mónica. La calidad musical de la grabación y la fuerza que despliega Morrison en el escenario alzan al doble álbum hacia la cima de los discos en directo. La extraordinaria banda que acompaña al artista rezuma soul, blues y jazz en cada nota, con un portentoso conjunto de vientos.El tramo final del disco pone los pelos de punta; encadena 'Here comes the night', 'Gloria', 'Caravan' y 'Cyprus Avenue'. En la edición remasterizada de 2008 se añade como bonus 'Brown Eyed Girl'. Una pena que 'Moondance' tuviera que ser eliminada por problemas de sonido que pese a ser solucionables en post-producción no pudiera adecuarse ante la negativa de Van Morrison a la post-producción.

Podéis escucharlo por aquí en spotify.

(#83) '1972'/'Nashville', Josh Rouse [2003/2004]

2009-09-07T17:28:00.002+02:00

Tras varios discos prometedores Josh Rouse se sacó de la manga un par de LPs de los que resulta difícil desprenderse una vez los has escuchado. 1972 y Nashville son dos discos de pop delicioso con influencias soul (imposible no pensaren Tapestry de Carole King al escuchar el primero) y soft-rock, que destacan por sus formidables melodías y el agradable aroma que desprenden. La majestuosidad instrumental ('James' es el mejor ejemplo), la cuidadísima producción (obra de Brad Jones) y la versatilidad estilística de Rouse (pronunciado raus) al que le da igual cantarse un corte indie-pop simple pero efectivo como 'Winter in the Hamptons' que entregarse a la épica orquestal de 'Rise', convierten a estos dos discos en dos piezas fundamentales de la primera década del siglo XXI. Dos discos poco valorados y poco conocidos pero que bien merecen ser reivindicados. Además Josh Rouse es español de adopción y la prueba de ello es un EP que también aprovecho para recomendar que tituló She's Spanish, I'm American.

Podéis escuchar ambos discos en spotify, por aquí y por aquí.

(#82) 'Takk...', Sigur Ros [2005]

2009-08-25T12:08:00.004+02:00

Las cosas como son. Mi relación con Sigur Ros ha tenido sus altibajos. Los descubrí cos ( ), el disco que los internacionalizó y entré muy de lleno en ellos, me hice con sus discos anteriores y los ecuché ferozmente, pero acabé exhausto justo cuando apareció en el mercado Takk... Injustamente, abandoné en el olvido este disco que ahora he recuperado tras reengancharme a la música de los islandeses con su último y excepcional disco y su película Heima (totalmente necesaria). Takk... es el disco más interesante de toda la discografía de Sigur Ros, el más variado y el que contiene 'Hoppipolla', posiblemente su mejor canción. Perfectamente estructurado, repleto de fantásticos paisajes sonoros y ágil (algo que no ocurre con el anteriormente citado ( )).

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#81) 'The Three EPs', The Beta Band [1998]

2009-08-19T17:15:00.004+02:00

The Three EPs contiene lo que promete: los tres primeros EPs que The Beta Band lanzaron al mercado como ediciones limitadas. A finales de los 90 The Beta Band se convirtieron en lo más musicalmente "in" del panorama británico. Los artistas de más éxitos clamaban por la edición de un disco largo de la banda, algo que ellos ni tan siquiera se habían planteado. The Three EPs pese a no ser un LP propiamente dicho lleno el vacío existente y se convirtió en referencia instantánea de la década. Con influencias que van desde el pop hasta el krautrock, lo que los chicos de The Beta Band ofrecen es una de las más refrescantes propuestas que aparecieron en los 90. Una amalgama de referencias novedosa que daba una visión diferente a la etiqueta trip-hop y que aún hoy debe considerarse como una de las cimas creativas de los 90. Canciones como 'Dry the rain' o 'She's the one' suenan todavía estimulantes.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#80) 'All Mod Cons', The Jam [1978]

2009-08-19T12:13:00.004+02:00

No debe extrañar encontrar en este disco una versión de 'David Watts' de The Kinks. Este es el disco en el que Paul Weller gira sobre si mismo para entornarse como la voz de una generación. Para empezar a ser el mito que hoy en día es, por mucho que aquí en España a muchos les suene a chino su nombre. Y que mejor referencia para hacerlo que la de los hermanos Davies. All Mod Cons es el disco en el que Weller redefinió a The Jam para empezar a tomar el camino que él necesitaba tomar, un camino más cercano al pop que al punk. Años después tuvo que dejar la banda a causa de que sus intenciones de avance no eran del agrado del resto de la banda, fue el momento en el que formó The Style Council y compuso el himno 'Shout to the top'. Pero eso es otra historia. En All Mod Cons, Weller se destapa como un fantástico compositor y nos deleita con cosas como la maravillosa 'English Rose' o los éxitos 'Down in the Tube Station at Midnight' y ''A' Bomb im Wardour Street'.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#79) 'Dusty in Memphis', Dusty Sprongfield [1969]

2009-07-30T17:10:00.003+02:00

Esta perfecta obra maestra que se sustenta sobre la precisión del clásico 'Son of a Preacher Man', es el mejor ejemplo de soul blanco que se puede encontrar. La incansable perfeccionista Dusty Springfield se rodeó de unos músicos excepcionales y dos buenos productores para registrar éste su mejor disco. La cristalina voz de Dusty Springfield y los maravillosos arreglos del disco desgranan canción a canción una placentero paseo musical en el que encontramos hitos musicales como 'Just One Smile', 'Just a Little Lovin', 'The Windmills of Your Mind' o la citada 'Son of a Preacher Man'. Con el paso de los años el disco ha ganado admiradores continuamente y las reediciones le han hecho justicia, especialmente la que llevó a cabo Rhino recuperando algunos descartes de las grabacioens originales. Dusty in Memphis es uno de los más grandes clásicos atemporales de la historia de la música popular.

Podéis escucharlo (una de sus reediciones) en spotify por aquí.

(#78) 'Made in USA', Pizzicato Five [1994]

2009-07-30T16:58:00.003+02:00

Made in USA es el recopilatorio que los japoneses Pizzicato Five lanzaron para darse a conocer en el mercado norteamericano de la mano del sello Matador. Funciona perfectamente como artilugio para introducirse en una ya mítico dúo japones que pese a ser poco conocidos por estas tierras llevan más de 20 años dando guerra en el país del sol naciente. Pop que mira fijamente las décadas pasadas, lleno de irreverentes sampleos muy similar al facturado por Saint Etienne (por citar algún referente más cercano) pero con más brío. Además el disco contiene alguna joya como 'Magic Carpet Ride', un fabuloso artilugio pop lleno de detalles embriagadores que posee un poderoso y pegajoso estribillo.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#77) 'Thriller', Michael Jackson [1982]

2009-06-26T10:41:00.004+02:00

Quizá debería haber llegado antes, ahora puede parecer oportunismo. Señalar Thriller como un disco de obligatoria escucha es ineludible, se trata del disco más vendido de la historia (se cifran sus ventas globales en 109 millones de copias) y no sólo se trata de un superventas. Thriller es un disco magnífico donde el soul, el rock y el funk se dan la mano vigorosamente. La producció corrió a cargo del mito Quincy Jones, quien se encontró con bastantes problemas pero que definitivamente consiguió dar forma a una obra maestra del Pop tremendamente complejo. Thriller fue galardonado con 8 premios Grammy a pesar de que Michael Jackson intentó que Quincy Jones no fuera premiado, en una de esas actitudes incomprensibles y excéntricas que tanto le han caracterizado. 'Beat it'', 'Thriller' y 'Billie Jean' fueron tres rotundos éxitos como singles y además fueron acompañados de videoclips que serán siempre tomados como referencia del formato. Todo lo que supone Thriller, tanto en su interior como en lo que lo rodea, es de magnitud mareante. Y lo más importante es que todo es merecido, porque Thriller es sin duda uno de los mejores discos que jamás se han hecho.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#76) 'The Complete Atomic Basie', Count Basie [1957]

2009-06-19T17:21:00.004+02:00

El primer disco que Count Basie grabó con Roulette se convirtió en un clásico del Jazz instantáneo, y lo que aquí ofrecemos es una reedición del año 1994 que incluye algunos temas extra que no aparecían en la edición original. Para los no iniciados, el disco es una de las piezas clave del jazz de big band y su autor es uno de los nombres más importantes de la historia de la música Jazz. The (Complete) Atomic Basie se considera uno de los mjeores discos de la década de los 50 y uno de los mejores discos de la historia del Jazz. Desde la primera hasta la última nota del disco, lo que se oye es pura magia. Incluso la portada es legendaria.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#75) '16 Lovers Lane', The Go-Betweens [1988]

2009-05-19T22:39:00.003+02:00

¿La mejor banda pop llegada desde Australia? The Go-Betweens. ¿El mejor disco pop llegado desde Australia? 16 Lovers Lane. Un álbum sobre las relaciones y el lado amargo del amor que es perfecto en todo lo que puede valorarse de él, porque aunque el paso de los años puede haber causado en él un pequeño desfase en la producción, suena precioso para ser un disco de los 80. Mejor que lo mejor de The Smiths. A la altura del Steve McQueen de Prefab Sprout. Una joya de guitarras cristalinas, ritmos dulces y poesía brillante en diez cortes para el recuerdo.

Podéis escucharlo con spotify por aquí

(#74) 'Let It Be', The Replacements [1984]

2009-03-26T23:13:00.003+01:00

De los dos discos importantes que existen con este título, este es el mejor *se cubre la cabeza con las manos en previsión de posibles objetos lanzados con fuerza cayendo sobre ella*. Sonara a sacrilegio, pero es que este disco, el de The Replacements, tiene mucha más importancia pasados los años que aquel que ofrecieran The Beatles en el ocaso de su andadura como grupo; para entonces los de Liverpool lo habían dicho ya todo. Sin embargo The Replacements engendraron un disco mucho más influyente en los años siguientes, los años en los que el indierock o el grunge despegaron. Es un disco que hizo avanzar a la música y aún hoy citarlo como referencia es signo de buen gusto. Let it Be es un disco fantástico que mantiene los origenes hardcore de la banda pero que ahonda en el muestrario de géneros norteamericanos para crear algo algo con entidad propia. 'Unsatisfied', el séptimo corte del disco, es una cancionzaca en toda regla, en ella la voz de Paul Westerberg se desgarra mostrándose honestamente frágil. Un clásico.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#73) 'All The Young Dudes', Mott The Hoople [1972]

2009-03-26T10:42:00.003+01:00

Ante ustedes uno de los discos que hacen grande la década de los 70. Mott The Hoople se pusieron a las órdenes de David Bowie quien, a parte de encargarse de la producción, les cedió la terrorífica 'All The Young Dudes' para dar título a un álbum legendario. Escuchar este disco es exponerse a un sonido inmejorable (mejor en vinilo por supuesto) y a algunos de los mejores arreglos de, siendo cautos, todo el glam rock. Todo arranca con una interesante y satisfactoria versión de 'Sweet Jane', quizá elegida para dar tirón comercial al álbum, aunque en conjunto parece innecesaria. Y es que 'Momma's Little Jewel', 'Sucker', 'Jerkin' Crocus' (con un riff muy stoniano) o 'One of the boys' tienen entidad suficiente para convertir un disco en historia. Todo un 5 estrellas.

La edición remasterizada de los 90 contiene 7 temas extra que merecen la pena de verdad.

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(#72) 'Dolittle', Pixies [1989]

2009-03-21T11:46:00.003+01:00

Disco fundamental para entender el indierock. Los Pixies habían irrumpido como un vendaval en la escena con Come on Pilgrim y Surfer Rosa, pero tuvo que llegar este Dolittle para que se forjara la leyenda (posbilemente exagerada). Y es que en Dolittle las canciones piden a gritos ser coreadas, las guitarras invitan a practicar el airguitar de forma desvergonzada y los gritos suenan como arias de Verdi en tus oídos. Es en este disco donde los Pixies nos brindan sus mejores singles (exceptuando 'Gigantic' que estaba en Surfer Rosa): 'Debaser', 'Here Comes Your Man' y 'Wave of Mutilation'. Es en este disco donde lo conciso de sus reminiscencias punk llegan al límite al ofrecer 15 pildorazos en poco más de media hora. Y es en este disco donde los Pixies ofrecen 'Hey', su mejor canción, al menos a mí así me lo parece.

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(#71) 'Another Green World', Brian Eno [1975]

2009-03-13T16:55:00.002+01:00

Aún hoy escuchar Another Green World es todo un reto. Brian Eno escenifica la deconstrucción del pop en este disco que rompe moldes y que arriesga hasta el infinito y más allá. Se trata de uno de esos discos que dificilmente pueden llegar al gran público, teniendo mayor relevancia entre aquellos interesados en las técnicas de grabación y en el uso del estudio como un instrumento más puesto a disposición del autor. En cualquier caso, de vez en cuando el disco sorprende con alguna pequeña pieza pop que sirve de descanso ante la complejidad del resto. Escúchenlo con precaución.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#70) 'Trailer Park', Beth Orton [1996]

2009-03-10T10:42:00.003+01:00

Para Beth Orton Trailer Park es su verdadero debut discográfico. Anteriormente se había editado SuperPinkyMandy de forma muy limitada exclusivamente en Japón, y podría considerarse más un experimento que un disco real. Con este disco, la británica deslumbró a la crítica que la señaló como la gran promesa de la década. Con el paso de los años y los discos, Beth Orton ha ganado en madurez pero la explosión no ha llegado a producirse, casi tiene más repercusión por sus colaboracioens esporádicas con gente como Beck o The Chemichal Brothers, que por sus trabajos, aunque tiene muchas cosas que decir y lo demuestra. Estoy seguro de que pronto llegará su momento. Trailer Park sigue siendo una pequeña joya ahora que ya han pasado más de 12 años de su lanzamiento, estos días lo he recuperado y ha merecido la pena.

Podéis escucharlo en spotify por aquí.

(#69) 'Strange Times', The Chameleons [1986]

2009-03-09T11:56:00.002+01:00

No tiene este disco nada que envidiar a los mejores momentos de Echo & The Bunnymen, salvo quizá el poseer algo tan enorme como 'The Killing Moon', pero eso es algo realmente complicado. The Chameleons ofrecen en Strange Times su mejor obra, un disco con mucho podería, intenso y épico. El disco estuvo producido por el tandem Dave Allen/Mark Saunders, quienes destacaron en las producciones de finales de década para The Cure. El resultado final del disco es impecable de principio a fin, pero no tuvo el efecto merecido, y canciones enormes como 'Caution', 'Tears' o 'Swamp Thing' no consiguieron llevar a The Chameleons al éxito, lo que les llevó a un largo periodo de inactividad para regresar con el comienzo de siglo tras un exitoso concierto disponible en CD.

Podeís escucharlo en spotify por aquí. Incluye los temas extra.

También el disco en directo, por aquí y por aquí.

(#68) 'Welcome Interstate Managers', Fountains of Wayne [2003]

2009-03-05T10:36:00.003+01:00

Facturan power pop de preciosas melodías que huele a verano y a playa, y aunque algo irregulares se sacaron de la manga este tremendo disco ante el que es imposible no caer rendido. Una tras otra, las canciones de Welcome Interstate Managers van rebotando dentro de tu cráneo produciendo un efecto buenrollista que es imposible detener. 'Mexican Wine', 'Bright future in sales' y 'Stacy's mom' son la terna de arranque más divertida de la década y después llegan joyas como 'Little red light' o 'Hey July' que van dando ligeros impulsos que no dejan que pierdas el interés en un disco que de principio a fin tiene muchas cosas que lo hacen irresistible. Si tus amigos piensan que eres un bicho raro que escucha a grupos que nadie más concoe, recomiéndales este disco; Fountains of Wayne no mueven masas, al menos no en Europa, pero este disco bien podría hacerlo.

Podéis escucharlo con spotify por aquí.

PD: Rivers Cuomo, de Weezer, cita a Fountains of Wayne como su banda favorita.

(#67) 'Llamadas Perdidas', La Costa Brava [2004]

2009-03-05T10:18:00.003+01:00

Son poco los discos nacionales que he recomendado en este blog. Hoy sumo uno a la cuenta, uno al que tengo especial cariño. La Costa Brava se formó con los restos de El Niño Gusano y Australian Blonde, más que con los restos, fue con las cabezas pensantes: Sergio Algora (fallecido repentinamente el año pasado) y Fran Fernández, dos buenos amigos que comparten la pasión por la música. En Llamadas Perdidas ofrecen una colección impecable de canciones pop, con letras ácidas y perfectas, melodías agradecidas y melancolía. El disco no pasará a la historia pero estoy seguro de que siempre habrá gente que se derrita al escucharlo.

Podéis escucharlo con spotify por aquí.

PD: 'Adoro a las pijas de mi ciudad' es una de las mejores canciones que se han podido oir a nivel nacional en los últimos años.

Cambio de funcionamiento

2009-03-03T10:21:00.002+01:00

Vuelvo. Ahora sí. Pero vuelvo con una modificación importante en la forma de funcionamiento del blog, una vuelta de tuerca hacia la legalidad. Aprovechando la generalización en el uso de spotify a partir de ahora voy a proporcionar acceso a los discos adjuntando el enlace spotify al mismo. Al menos cuando el disco esté disponible en este medio.

Para los que no sepan qué es spotify, decir que es un nuevo software que permite escuchar en streaming un catálogo muy amplio de discos de forma legal puesto que las discográficas han firmado contratos con los creadores del software. Para poder utilizar spotify hay que hacerse una cuenta aquí, y descargarse el software al final del proceso de registro. Tienen cuenta gratuita y cuenta de pago, la diferencia es que en la gratuita introducen anuncios de vez en cuando, no llegan a molestar demasiado. Aunque siempre queda la duda de si con la generalización de la plataforma se irán generalizando también los anuncios. Por el momento se soportan.

Así que todos a unirse a potify para poder acceder de forma sencilla a las próximas recomendaciones que aparezcan por aquí.

Promesas para el nuevo año

2008-12-12T20:06:00.004+01:00

Must Listen Albums ha estado en un periodo de inactividad bastante largo porque durante un periodo de tres meses he estado viviendo fuera de España, pero con el año nuevo prometo recuperar el funcionamiento del blog. Así que permaneced atentos.

(#66) 'The Impossible Bird', Nick Lowe [1994]

2008-08-21T09:55:00.005+02:00

El episodio piloto de Los Soprano se cerraba con 'The Beast In Me', el segundo y mejor corte de este maravilloso disco lleno de sonidos de la America profunda. The Impossible Bird es posiblemente el mejor disco de Nick Lowe, uno de los más acertados letristas del estallido punk que con el paso de los años se fue adentrando en las raíces norteamericanas y las incluyó en sus trabajos. Se trata de un disco maduro, completo, concreto y que no pierde ante la falta de uno de esos singles tan pegadizos de los que Nick es todo un especialista. Música para escuchar en la tranquilidad del hogar, música que llega bien adentro y de la que es difícil desprenderse.

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(#65) 'Grace', Jeff Buckley [1994]

2008-07-16T15:33:00.004+02:00

Grace es un disco de obligada escucha porque aunque su calidad no esté equiparada a su importancia mediática, es lo suficientemente bueno como para que aparezca entre los mejores álbumes de la década de los 90. Lo cierto es que Jeff Buckley alcanzó la consideración de mito tras su muerte en 1997 mientras grababa su segundo disco, habiendo dejado únicamente Grace, unas cuantas grabaciones en directo y la sensación de que existe cierto grado de exageración sobre lo importante de su figura como legado. Su sonido no aportó nada nuevo al panorama musical, su voz, que tiene a abusar del falsete, recuerda con sus matices a la de su padre, el gran Tim Buckley, y las canciones... (aquí es donde está su gran baza) algunas versiones fantásticas y composiciones propias de gran intesidad y fuertemente influenciadas por nombres como Leonard Cohen, Nina Simone, Edith Piaff, Led Zeppelin o Patti Smith. Grace conjuga perfectamente intensidad, guitarras y emoción y se ha convertido con el paso de los años en un disco referente con el que muchos jóvenes se adentran en el panorama alternativo de los 90. Una década dominada por Radiohead y por el terremoto originaldo por Nevermind de Nirvana.

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(#64) 'Hollywood Townhall', The Jayhawks [1992]

2008-06-11T12:25:00.004+02:00

Liderados por los talentosos Mark Olson y Gary Louris, dos estupendos escritores de canciones, maravillosos músicos y fantásticos cantantes, The Jayhawks han sido una de las más aclamadas bandas del panorama country alternativo gracias a su perfecta combinación de country, folk y rock de bar. Emprendieron su carrera artística en 1985, pero no fue hasta 1992 cuando pudieron mostrar todo su potencial con su tercer disco, Hollywood Townhall. Tristemente, el disco apareció en un momento en el que no encajaba mucho. El grunge rugía incluso en las radios comerciales. Pero Hollywood Townhall tiene un arma a la que es difícil resistirse. Su accesibilidad. Resulta difícil no sentirse mínimamente atraído por sus sonidos, por sus armonías vocales, por sus guitarras, por sus referencias a Neil Young, a The Band, a The Byrds. Junto con las de su siguiente disco, Tomorrow the Green Grass [1995], las canciones de Hollywood Townhall podrían ponerse on repeat en cualquier emisora de radio y nadie se quejaría. Es música de ángeles.

¿Quieres escucharlo? (1)

(#63) 'Casanova' + 'A Short Album About Love', The Divine Comedy [1996-1997]

2008-05-27T09:36:00.004+02:00

Soy un admirador incondicional de Neil Hannon. Desde su admiración por Scott Walker, Hannon es uno de los creadores más interesantes que las islas británicas han parido en las últimas dos décadas. Él fue el encargado de dar el verdadero toque distintivo al britpop, aunque nunca tuvo el reconocimiento merecido. Casanova fue el disco que le llevó levemente a la fama. Un éxito de ventas en UK, con 'Something for the weekend' y 'Becoming more like Alfie' en el Top10. El disco introducía en sus arreglos una orquesta completa que funcionaba a la perfección creando canciones brillantes. En esta misma línea Hannon ofreció al año siguiente un minialbum orquestado que se editó el día de San Valentín. A Short Album About Love es la obra cumbre de la discografía de Neil Hannon y sus Divine Comedy. 7 maravillosas canciones bajo el hermoso paraguas de la influencía de Scott Walker, donde la voz de barítono de Hannon recita versos sobre el amor. Es un disco excesivo, extravagante, pretencioso y grandioso.

Los dos discos juntos forman el combo perfecto dentro de la discografía de una de las bandas más interesantes de los últimos tiempos, The Divine Comedy.

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(#62) 'Encouraging Words', Billy Preston [1970]

2008-05-14T10:52:00.004+02:00

Hay quien dice que Encouraging Words es el mejor disco que Apple Records haya editado de alguien que no fuera miembro de los Beatles. Además de ser mejor que muchos de los discos de los miembros de los Beatles. Encouraging Words de Billy Preston es música negra, poderosa, una mezcla perfecta de funk y soul, pero su falta de hits le llevó al olvido rápidamente sin llegar a alcanzar ningún ranking privilegiado en las listas de ventas. Preston se descubre como un magnífico intérprete capaz de mover su voz entre algunos de los grooves más cálidos del rhythm'n'blues, que ganan por una fantástica producción y los grandiosos músicos que acompañan a Preston. A mitad del disco aparece una interesante versión de 'My Sweet Lord', el popular tema de George Harrison. Calidad suprema.

¿Quieres escucharlo? (1)

(#61) 'It's a Shame About Ray', The Lemonheads [1992]

2008-04-21T12:08:00.002+02:00

It's a Shame About Ray es la cumbre compositiva de The Lemonheads, una banda agridulce de pop alternativo liderada por Evan Dando. It's a Shame About Ray es además una maravillosa colección de sencillas canciones pop que se alarga poco más de la media hora. El sonido se afinca en el terreno de las guitarras, con referentes como los primeros REM o Neil Young. Las temáticas son más acordes con el cancionero de The Beatles, ya saben, aquello de los corazones rotos, los enamoramientos y las declaraciones a las sustancias psicotrópicas. Está lleno de grandes canciones: 'Confetti', 'It's a Shame About Ray', 'My Drug Buddy' o 'Alison's Starting to Happen'. Y concluye con una genial versión del tema 'Mrs Robinson' de Simon & Garfunkel que les dio bastante fama.

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(#60) 'Habiak', Anari [2000]

2008-04-10T10:05:00.004+02:00

Para el número 60 una obsesión personal. Un disco en euskera que pocos habrán escuchado. Anari es una compositora y cantante vasca que muchos comparan con PJ Harvey. Aunque no creo que sea la comparación más acertada, personalmente considero que Anari es capaz de arriesgar mucho más. Sin dedicarse profesionalmente a la música, es profesora en un instituto, ha ido creando música desde los 90 y ya ha editado 3 discos y un EP en directo que aparecido recientemente. Habiak es su segundo disco y tuvo excelentes resultados de crítica en España, la revista Rockdelux lo llegó a incluir en su lista de los 100 mejores discos nacionales del siglo XX en el puesto 77. Habiak es un disco intenso pero calmado. La voz de Anari deslumbra y los músicos que le respaldan son de una solvencia probada. Todo brilla en este disco, todo menos el tono claro. Anari inspira tristeza. Este es sin duda uno de los mejores discos en euskera que se han publicado.

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(#59) 'London 0 Hull 4', Housemartins [1986]

2008-04-07T09:37:00.003+02:00

La gloria se la llevaron The Smiths, pero a mí la sonrisa en la cara siempre me la han puesto Housemartins. Con aspecto de chicos buenos posiblemente les falto el carisma del Morrissey de turno para haber ganado mayor importancia. En este su primer disco, de dos, reúnen 16 canciones de tono, mayoritariamente, vitalista con altas dosis de ironía en las letras. Housemartins puede parecer a primera escucha una banda a la que no tomar demasiado en serio, sin embargo la impresionante voz de P.D. Heaton y su pluma ácida les convierten en uno de los puntales del pop británico de los 80. Su gusto por el soul, el gospel y el doo wop dan como resultado vibrantes momentos ('Flag Day') intercalados con canciones que ponen en movimiento a cualquiera ('Get up off our knees', 'Happy Hour', 'Sheep' o 'Freedom'). Por cierto, el título se refiere a un hipotético resultado de un partido entre el London y el Hull. Housemartins, lógicamente, iban con el Hull.

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(#58) 'White Ladder', David Gray [1999]

2008-03-26T16:17:00.002+01:00

David Gray es un nombre demasiado próximo al mainstream y ello le ha llevado en muchas ocasiones a meter la pata hasta el fondo. Sin embargo en mitad de su carrera discográfica aparece esta pequeña joya del pop de los 90. Un disco cargado de preciosas melodías construidas a base de loops electrónicos sobra las que la dulce voz de Gray, con ese fraseo suyo tan cercano al de Dylan, se mece tranquila. El resultado es un disco muy cálido y que crece con cada escucha. El segundo corte del disco, 'Babylon', se convirtió en un hit para todo tipo de radios, desde los top 40, hasta las de target adulto. Lástima que sus trabajos posteriores no hayan continuado en esta línea tan acertada que convirtió este disco en un imprescindible para los aficionados a la música popular.

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PD: pido disculpas por el periodo de inactividad

(#57) 'Tender Prey', Nick Cave & The Bad Seeds [1988]

2008-03-11T16:44:00.003+01:00

La carrera de Nick Cave, tanto en su etapa en The Birthday Party como con The Bad Seeds (banda que el mismo formaría), esta llena de grandes discos. Tender Prey es uno de ellos. Un disco que inquieta con sus densas atmósferas y su endemoniada poesía. Un disco que empieza relatando en primera persona la ejecución en la silla eléctrica de un condenado a muerte entre una terrorífica maraña sonora y que termina con un gospel (si obviamos la toma alternativa de 'The Mercy Seat'). Entre medias, maravillosas canciones en las que la profunda voz de Cave se encuentra a sus anchas. Habla del diablo, de huidas, del voyeurismo, de la compasión,... Y se arropa con el legado de Scott Walker o Blind Willie Johnson. Rodeado por Hugo Race, Kid Congo Powers, Blixa Bargeld (líder de Einsturzende Neubauten), Roland Wolf y su inseparable Mick Harvey, Nick Cave creó una de sus obras maestras, la que ruge con fiereza de principio a fin.

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(#56) 'Trans-Europe Express', Kraftwerk [1977]

2008-02-29T09:20:00.000+01:00

En paralelo con la irrupción punk, Kraftwerk editaron una de sus obras maestras, un disco donde las melodías se construyen a partir de ligeros bucles sonoros que de forma repetitiva dotan a las composiciones de un aspecto robótico. Trans-Europe Express es uno de los discos clave dentro del nacimiento de la electrónica. Un disco elaborado por superposición de capas sonoras creadas únicamente con aparatos electrónicos que sorprendentemente dan como resultado un sonido bastante acogedor en alguno de los cortes. Quizá el repetitivo ritmo del tema que da título al disco sea el único momento realmente complejo del disco, ritmo que por cierto fue utilizado por Afrika Bambaata como base para uno de los primeros temas Hip Hop de la historia. Elijo la versión inglesa del disco, por no disponer en este momento de la original alemana, personalmente tratándose de Kraftwerk prefiero las alemanas.

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(#55) 'So Tonight That I Might See', Mazzy Star [1993]

2008-02-28T17:00:00.005+01:00

Son Mazzy Star una de esas pequeñas joyas ocultas de la independencia musical. Con su fervor por la cara oscura de la psicodelia, pienso en The Velvet Underground o Alex Chilton, y su sonido áspero que les emparenta con nombres como The Jesus and Mary Chain, el dúo formado por Hope Sandoval (con su enigmática voz) y David Roback (directamente llegado de los seminales Rain Parade), ofrecen en éste su segundo disco uno de los momentos más emocionantes de los 90. El disco está repleto de ecos country y folk y las referencias son evidentes a lo largo de los 10 cortes del disco. Consiguieron un gran reconocimiento mediático con la canción que abre el disco, 'Fade Into You', y esto hizo que el disco se convirtiera en un "éxito" comercial. So Tonight That I Might See es quizá su disco más redondo (de los tres que forman su discografía), aunque en cuanto a encanto puede que She Hangs Brightly, su debut, le supere.

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(#54) 'Moby Grape', Moby Grape [1967]

2008-02-15T10:48:00.004+01:00

Una de las mejores bandas aparecidas en la escena musical de San Francisco en los 60 fue Moby Grape. Una banda a tres guitarras en la que todos y cada uno de los cinco componentes cantaba. Su sonido se caracterizaba por incorporar multitud de influencias procedentes de las diferentes raíces norteamericanas a su propuesta bañada en psicodelia. Este brebaje produjo los mejores resultados en su primer disco, el homónimo Moby Grape. El disco es un compendio de sonoridades folk, rock y country en el que destacan composiciones como la vibrante 'Hey Grandma', la deliciosa '8:05' o la alocada 'Omaha'. La repentina salida de la banda del autor y guitarrista Skip Spence, quien llegó desde Jefferson Airplane y que crearía el clásico alucinado Oar, provocó el declive de una banda que con su primer álbum alcanzó la cima creativa de su generación y que quedó en el olvido eclipsada por contemporáneos como Grateful Dead.

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(#53) 'Kimono My House', Sparks [1974]

2008-02-14T19:09:00.004+01:00

Aún formándose en California, Sparks siempre han sido más británicos que norteamericanos y posiblemente sea esa la causa de que el mercado norteamericano les haya dado la espalda constantemente. Aunque claro, en los años 70 la gente en los Estados Unidos estaba demasiado ocupada comprando discos de los Eagles y maquillándose para asistir a los conciertos de los Kiss, ¿cómo iban a prestar atención a un dúo que demostraba deseo (casi lujuria) por el pop experimental? Por este motivo la banda formada en 1970 se trasladó al Reino Unido en 1974 para editar en Island su necesario Kimono my House. Kimono my house demostró definitivamente que Sparks no eran una banda para el mercado norteamericano. En USA casi no se supo de su existencia mientras en el Reino Unido fue un éxito y entró en el Top 10, lo que por primera vez ofreció a Ron y Russell Mael cierto desahogo financiero. En los cuarenta minutos pasados de duración de ‘Kimono my House’ Sparks ofrecen un fantástico ejercicio de pop bailable que se conjuga a la perfección con el gran arsenal de imaginativas melodías, complejas armonías vocales y elegantes letras. Los hermanos Mael son unos maestros del ‘what if…’ y basándose en él consiguen crear canciones que hablan de un chico que acusa a su chica por romper su pacto de suicidio (‘Here in Heaven’), o de un tipo que da gracias por que hoy no es Navidad ya que Navidad es el único día del año en el que no puede separarse de su mujer (‘Thank God It's Not Christmas’), o de otro tipo que se cabrea con su novia porque llegó tarde a su cita en el ecuador (‘Equator’). En lo musical resultan impecables y además sorprendentes. El primero de sus hits ingleses, ‘This town ain’t big enough for the both of us’, te hará recordar a Queen. Freddy Mercury debió escucharse bastante la música de Sparks antes de ponerse a escribir sus mayores éxitos. El segundo de sus hits ingleses, ‘Amateur Hour’, avanzó el fenómeno ABBA. El resto del álbum contiene muchas otras joyas. El vals-pop de ‘Falling in love with myself again’, canciones que encajarían en el repertorio de The Kinks como ‘In my family’, la espeluznante ‘Here in Heaven’, la moody ‘Equator’, o la "Spectoriana" ‘Thank God It's Not Christmas’. Uno verdadero MLA.

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PD: esta reseña la escribí hace tiempo para un webzine que ahora está en modo off, de ahí que sea más larga de lo normal.

(#52) 'The Cross and the Switchblade', Bantam Rooster [1999]

2008-02-12T16:48:00.000+01:00

Un disco del que casi nadie habrá oído hablar. The Cross and the Switchblade es garaje-punk en efervescencia que busca sus influencias en las raíces norteamericanas y Bantam Rooster un dúo (guitarra-batería) que deja a The White Stripes en el escalafón de los grupos para niños. Ellos dos solos consiguen llevar la música a unas cotas de intensidad que pocos grupos de tres y cuatro componentes consiguen. La guitarra y la batería se compenetran a la perfección tomando el rol indicado en cada preciso momento, de modo que nada se hecha en falta en el conjunto. ¿Quién necesita un bajo para hacer rock? El disco es una pedrada en la cabeza que te fulmina en escasos minutos. Un disco compacto, breve y tremendamente intenso. No apto para corazones débiles.

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(#51) 'The Message', Grandmaster Flash [1982]

2008-02-11T12:15:00.000+01:00

Uno de los más innovadores DJ's del hip-hop, por no decir el mayor, en su disco debut junto a su grupo The Furious Five. Grandmaster Flash se inició en el arte de pinchar discos desde muy joven y si inventiva dio como fruto algunas de las técnicas más básicas: cutting, back-spinning o phasing. The Message se convirtió en un éxito de crítica y público, y con el tiempo en uno de los discos clave de un hip-hop que ya había alcanzado cierta velocidad. Grandmaster Flash se nutre de samples extraídos de canciones de Queen, Blondie, Chic o The Sugarhill Gang, entre otros, para crear una serie de canciones llenas de vitalidad. El disco incluye también un par de baladas soul y termina con un tema que permite descubrir la magia en los platos de Grandmaster Flash. Después llegarían Public Enemy para reventar el sistema 'bringing the noise', pero esta es una de las bases más solidas sobre las que se construyó el hip-hop.

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(#50) 'If You Are Feeling Sinister', Belle & Sebastian [1996]

2008-02-11T09:47:00.000+01:00

Belle & Sebastian debutaron justo después de que el grunge hubiera removido el mundo indie con Tigermilk, un disco del que se hicieron inicialmente 1000 copias en vinilo. Sin embargo fue éste segundo disco el que sirvió de pistoletazo de salida a su carrera internacional. If You Are Feeling Sinister, como algunos dicen, es un disco asentado en el indie de los 80, con la actitud de los 90, pero que suena a folk-pop de los 60. La música en este disco desprende una delicadeza que reconforta, da la impresión de estar siendo ejecutada justo en el medio de un adorable salón con una gran chimenea calentando con sus llamas la estancia. Un disco totalmente atemporal, en el que Murdoch arrasa con su formidable lírica y que sorprende en cada rincón gracias a sus ingeniosos arreglos. Una canción como 'Get me from here, I'm dying' sólo puede ser considerada como una aunténtica joya de la historia del pop y versos como 'You take a lover for a dirty weekend, that's ok, but when it's over you are looking at the working week through the eyes of a gigolo' están a mitad de camino de Dylan y Davies.

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PD: por eso de llegar a la cifra redonda de 50 MLA's, he pensado en preparar un regalito a loo largo de la semana.

(#49) 'Underwater Moonlight', The Soft Boys [1980]

2008-02-07T19:01:00.000+01:00

Son The Soft Boys una de las bandas de mayor influencia en la escena alternativa. Nacidos en la explosión punk británica (1976), en Cambridge, los de Robyn Hitchcock tomaron un rumbo diferente dando a su música una componente neo-psicodélica con fuerte influencia del folk-rock. Tras una serie de cambios en la formación fue momento de dar forma a su obra maestra, Underwater Moonlight. El disco tuvo un mood mucho más rock y sirvió de base para grandes bandas posteriores como R.E.M. o The Replacements, así como para el movimiento Paisley Underground. Lleno de clásicos desde su arranque con 'I wanna destroy you' hasta su final con 'Underwater Moonlight', pasando por una nerviosa 'Insanely Jealous'. El disco se posa con gracia en diferentes sonidos por lo que se puede considerar tanto germen del alt-country como del noise, si se tiene la suficiente amplitud de miras. En 'Positive Vibrations' suena hasta un sitar, pese a ser un tema que se asienta sobre aquel formidable Seconds of Pleasure de Rockpile. Tras esto, Robyn Hitchcock arrancaría su frondosa carrera en solitario. En 2002 la banda volvió a reunirse con un más que decente Nextdoorland.

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(#48) 'Rock Bottom', Robert Wyatt [1974]

2008-02-05T09:01:00.000+01:00

Robert Wyatt es uno de los músicos más arriesgados de la historia del rock y que posiblemente no haya tenido todo el reconocimiento que merecía. Todavía en activo, editó Comicopera el pasado 2007, comenzó su carrera como batería de los legendarios Soft Machine donde se dio el pistoletazo de salida al rock de vanguardia. Soft Machine eran mucho más que un simple grupo de rock progresivo. Tras su salida de la banda inició su carrera en solitario y fue Rock Bottom su primera gran obra. Uno de los mejores discos de la vanguardia, delicioso art-rock. Grabado junto a unos cuantos maestros del sonido canterbury y poco después del accidente de Wyatt, que tras caer desde una altura de cinco pisos quedó inmovilizado de cintura para abajo de por vida. Algunos dicen que el disco no es otra cosa que una crónica de su estancia en el hospital aunque Wyatt lo desmintió en varias ocasiones argumentando que la mayoría de las canciones estaban escritas con anterioridad al accidente. Sin embargo, el accidente si que supuso un giro en su trayectoria pues la imposibilidad de tocar la batería produjo en Wyatt una necesidad: cantar. Y la forma de cantar de Wyatt queda perfectamente plasmada en este disco, su falsete pone los pelos de punta. Rock Bottom es sin duda un disco para disfrutar en la soledad, en los momentos de introspección. Un disco que todavía hoy resultaría arriesgado.

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(#47) 'Sweetheart of the Rodeo', The Byrds [1968]

2008-01-30T12:43:00.000+01:00

Sweetheart of the Rodeo fue posiblemente el primer disco country-rock hecho por una banda de renombre en la historia de la música (anteriormente Gram Parsons había editado ya Safe at Home con International Submarine Band.) Y ahí es donde radica la importancia de este disco, cuando nadie lo esperaba, van The Byrds y se sumergen de lleno en la tradición creando un disco que a todas luces es magistralmente precioso. Posiblemente fuera la influencia de Gram Parsons, quien había llegado al grupo como pianista y guitarrista, la que creara la inquietud en la banda para dar forma a Sweetheart. Sin ir más lejos, sólo hay dos temas originales en el disco, los dos compuestos por Parsons. Para algunos, este es un disco de Gram Parsons pero en realidad los trabajos posteriores de los miembros de la banda van en contra de esta teoría. El germen existía con anterioridad, Parsons solo encendió la mecha. Y yo le doy las gracias, pues este es uno de mis discos favoritos. Totalmente necesario.

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(#46) 'Pearl', Janis Joplin [1971]

2008-01-25T18:42:00.000+01:00

El segundo disco de Janis Joplin se convirtió inesperadamente en su disco póstumo al morir una de las voces más recordadas de la historia de la música un 4 de Octubre, el de 1970. Y Pearl no es otra cosa que una obra maestra del rock de los 70, grabado justo en el comienzo de la década. La inigualable voz rasgada de Janis encuentra en este disco el lugar perfecto para demostrar todo su valor, un disco hecho a su medida en el que se incluyó un tema a capella, 'Mercedes Benz' (como curiosidad decir que el tema fue versionado por Kiko Veneno). El legado de la estrella que Janis era ya antes de morir, es sin duda una de las escuchas obligadas del aficionado a la música. A todos nos gusta oír cantar a quien lo hace como los ángeles, aunque hablar de ángeles y de Janis Joplin no es del todo coherente, pero ya me entienden. Enorme por cierto el segundo corte, 'Cry Baby'.

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(#45) 'Girlfriend', Matthew Sweet [1991]

2008-01-25T10:01:00.000+01:00

Girlfriend es uno de esos discos que se convierten en clásicos desde el momento de su lanzamiento. Una maravillosa obra de revival power-pop, guitarras y melodías, que descansa sobre los hombros de gigantes como The Beatles, Neil Young o REM, pero sobretodo Big Star. Sonidos a los que el paso del tiempo no afecta en ningún modo, atemporalidad lo llaman. Todas y cada una de sus canciones, que juntas esconden una historia completa, son pequeñas joyas llenas de sensibilidad. Teenage Fanclub habrían matado por hacer este disco, y eso que ellos no son mancos que digamos. 'Girlfriend', con una fuerte componente rock, se convirtió en la primera canción que unió anime y música en su videoclip, mucho antes de que Daft Punk hicieran aquella película de cuyo nombre no me acuerdo. Si no han escuchado nunca este disco no dejen pasar esta oportunidad, creo que no les va a defraudar.

Existe una edición Deluxe que además de incluir algunos bonus, está acompañada por un segundo disco, Goodfriend, una promo que contiene tomas alternativas. Creo que se puede encontrar a buen precio y merece la pena.

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(#44) 'Easy Beat', Dr. Dog [2005]

2008-01-18T18:36:00.000+01:00

Desde Philadelphia, este conjunto de locos despliegan una de las propuestas que más me han llegado en los últimos años. Desde su garaje conjugan a la perfección casi todos los sonidos que los Estados Unidos ha generado a lo largo del siglo XX. Aderezados, eso sí, por un toque beatle que no es otra cosa que la guinda del pastel. Es Easy Beat un disco grabado de forma casera, pero en el que reside una cantidad enorme de emoción, lleno de referencias de todo tipo en sus canciones, canciones que por otra parte se enganchan a tu cabeza bien fuerte. Las voces desgarradas a ratos y alucinadas en el resto, son el vehículo final para adentrarte en su mundo. Un mundo que cruza a The Band, con The Beach Boys y con los ya citados The Beatles, sin olvidar a Talking Heads. Un disco glorioso, grabado en un garaje y que es para mí uno de los discos más importantes, al menos a nivel sentimental, de lo que llevamos de siglo.

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(#43) 'Neu!', Neu! [1972]

2008-01-16T19:52:00.000+01:00

Este Neu! es sin duda uno de los discos más importantes de la escena alemana de los 70. Un disco que marca los cánones de un género, el krautrock, que ha sido revisitado en numerosas ocasiones posteriormente: Stereolab en los 90, o los más recientes Fuyija & Miyagi en el 2006 son sólo dos ejemplos. Su arranque es ya una declaración de principios, ritmos básicos y repetitivos que se ven salpicados por ligeros detalles superpuestos. Un leve rasgueo de guitarra y algunas gotas de sonidos psicodélicos. El disco, que además puede referenciarse como origen de la electrónica, ofrece más cosas tras 'Hallogallo'. Ambientes tensos, inquietantes, en 'Sonderangebot' y asperezas en 'Negativland', donde una guitarra arañada parece quejarse a lo largo de toda la canción. Sin decir ni una sola palabra, Neu! sientan las bases de un apocalipsis sonoro. Duro de oír, pero necesario.

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(#42) 'There's Nothing Wrong With Love', Built to Spill [1994]

2008-01-15T09:23:00.000+01:00

Este es un disco lleno de grandes canciones de amor, aunque no esperen ligeras cadencias y angelicales melodías. There's Nothing Wrong With Love es un disco donde las guitarras chillan. Cercanos al sonido propuesto por Pavement y guiados por la batuta del gran Neil Young, Built to Spill dieron el salto de calidad en este su segundo disco tras un arranque de menor entidad con Ultimate Alternative Wavers. El fantástico arranque con la saltarina 'In The Morning' (donde declaran que se sienten mediobien) es seguido por una estupenda colección de canciones donde destacan la agridulce 'Car' o la californiana 'Distopian Dream Girl'. Martsch lidera la banda con su voz nasal en un poderoso disco pop lleno de vibrantes guitarras. Sus directos siempre han sido considerados dignos de ver.

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(#41) 'Music From Big Pink', The Band [1968]

2008-01-08T12:28:00.000+01:00

El primer disco de The Band, el de la portada pintada por Dylan. Grabado en la casa de Dylan cerca de Woodstock, aquella que estaba pintada de rosa y donde todavía como The Hawks grabaron junto a Bob las míticas Basement Tapes. Music From Big Pink es un disco asombroso. Una mezcla perfecta de country, blues y soul, que deslumbra con sus sonido cálido. Canciones tan maravillosas como 'The Weight' son solo la punta de lanza de un disco redondo, en el que 'I Shall Be Released' aparece brillante en el último momento dejándote con una sensación de satisfacción que te costará olvidar. Temas propios en su mayoría y alguna versión intercalada dan forma a uno de los mejores discos del country-rock de la historia, el de la portada pintada por Dylan.

Dato curioso: Eric Clapton dejó Cream definitivamente tras quedar impactado por este disco.

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(#40) 'Give'em Enough Rope', The Clash [1978]

2008-01-05T15:49:00.000+01:00

Si bien fueron los Sex Pistols quienes produjeron el verdadero estallido punk, The Clash fue el grupo que verdaderamente desarrollo el género hasta colocarlo en el lugar que merecía. Fueron ellos quienes introdujeron entre los vertiginosos riffs las influencias más estimulantes. Give'em Enough Rope fue su segundo disco y, pese a que pasa desapercibido para la mayoría a causa de la enormidad de London Calling, es una auténtica delicia. Para su creación The Clash trabajaron con Sandy Pearlman, productor que se prodigó más dentro del hard-rock de banadas como Blue Öyster Cult. Esto hizo que el disco tuviera un sonido más claro, menos apresurado que aquel gamberrismo de su debut homonimo, pero esta era la senda que The Clash habían elegido, como demostrarían después con su obra maestra. El disco ilustra el ascenso imparable de Strummer y los suyos.

¿Quieres escucharlo? (1) [off]

(#39) 'Cure For Pain', Morphine [1993]

2007-12-31T17:38:00.000+01:00

Morphine era una banda original pesea a facturar una mezcla de rock y blues (con detalles jazz) bastante habitual. Su originalidad radicaba en su formación sin guitarras que permitía elaborar unos asombrosos y sugerentes riffs a base de saxofones tremendamente sexys, batería y sobretodo un bajo absolutamente espeluznante (por bueno). Una delicia para los oídos más habituados al escalofrío. La banda que terminó su carrera tras la muerte del líder Mark Sandman en pleno concierto, consiguió en este su segundo disco su trabajo más acertado tras su debut con el prometedos Good, donde todavía faltaba rodaje pero estaban presentes ya las buenas intenciones. Después llegaría otro formidable disco, Yes, que también recomiendo con fuerza si consiguen adentrarse y disfrutar de Cure For Pain, un disco que suena vibrante y sexual.

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(#38) 'Fakebook', Yo La Tengo [1990]

2007-12-30T19:51:00.001+01:00

Uno de los mejores discos de todos los 90 llegó justo en su arranque, y fue una total sorpresa puesto que es un disco que para nada se atiene a lo que el nombre de Yo La Tengo había ofrecido con anterioridad. Sin embargo la calidad de este disco sirvió para catapultar definitivamente a la banda como nombre referencial de lo alternativo norteamericana. Un disco desenfadado, sin grandes pretensiones y adorable. Un disco que suena feliz y que te hace sentir feliz. Versiones de temas ajenos como 'Here comes my baby' (Cat Stevens), 'Speeding motorcycle' (Daniel Johnston) o 'Andalucia' (John Cale) se mezclan con algunos temas nuevos y una visión alternativa de 'Barnaby, hardly working'. La electricidad habitual en los discos de Yo La Tengo apenas hace acto de presencia, las canciones son cortas y el conjunto es un disco fantástico que gustará incluso a quien no soporte el resto de discos de la banda.

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(#37) 'Crazy Rhythms', The Feelies [1980]

2007-12-30T17:59:00.000+01:00

Equiparable en importancia al debut de The Velvet Underground para algunos, este disco está lleno de estupendas canciones llenas de ritmos vanguardistas y que, haciendo honor al títuolo del álbum, desprenden locura. Las armas de Crazy Rhythm son varias: guitarras nerviosas dignas herederas de aquellas que llenaban otro grandioso debut, el de Television con su Marquee Moon, voces ansiosas y sobretodo ritmos vertiginosos despachados por Anton Fier. Editado por el mitíco sello Stiff quienes por lo visto se preocuparon más por la venta de merchandising que por la promoción real de un disco que mereció en su lanzamiento mayor reconocimiento del obtenido, la propia banda se encargó de la producción tras negarse a contratar a ningún productor ajeno. La portada fue homenajeada por la banda Weezer en su también recomendable debut, aunque poco tiene que ver con esta obra maestra del post-punk más vanguadista.

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(#36) 'We are ever so clean', Blossom Toes [1967]

2007-12-26T12:34:00.000+01:00

Una de las bandas más finas de la psicodelia británica de los 60 y también una de las más infravaloradas. Éste, su primer disco, es un artefacto lleno de ironía británica y sonoridades ácidas, que producen como resultado un álbum de tono tremendamente feliz. Con grandes canciones, que en ocasiones recuerdan a lo Kinks de finales de los 60, como 'I'll be late for tea', 'What's it for' o 'Telegram Tuesday', el disco aborda temáticas tan típicamente británicas como el té o los parques de la realeza. Títulos bizarros como 'Intrepid Balloonist' o 'Remarkable Saga of the Frozen Frog' llenan el listado de canciones de el disco de debut de una banda que poco un par de años después se separaría tras la edición de su segundo disco If Only For A Moment. Este mismo año que está apunto de terminar se editó una reedición con 10 temas extra que se añaden a los 15 que dan forma a la edición original.

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(#35) 'Here Comes The Sun', Nina Simone [1971]

2007-12-20T17:14:00.001+01:00

Los discos de versiones han sido un recurso muy utilizado cuando la carrera de un artista está plenamente consolidada, pero el nivel creativo no es el mejor. En esta situación pueden ocurrir dos cosas: o bien el disco es fantástico y ofrece visiones plenamente atractivas de las canciones originales, o bien el resultado es fallido y el disco no deja de ser una curiosidad para completistas. Here Comes The Sun está dentro de los primeros, por mucho que allmusic lo puntúe con dos miserables estrellitas. En este disco la gran Nina Simone ofrece 8 temas clásicos de la música popular con un sonido tan coherente que si no fuera porque las canciones son tan famosas darían el pego como un disco propio. 'Here comes the sun' de The Beatles, 'Just like a woman' de Bob Dylan, 'O-o-h Child' de Stan Vincent o 'My Way' de Sinatra son tan sólo la mitad de las 8 fabulosas canciones de este disco que es perfecto para escuchar una tranquila tarde de invierno. Los más apasionados disfrutarán también con To Love Somebody [1969], mismo concepto, idéntico resultado. Dos grandes perlas.

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[OFFTOPIC] Escucha antes de votar

2007-12-17T11:53:00.000+01:00

Ante la posibilidad de que los discos que he elegido para la encuesta activa hasta final de año no sean conocidos por todos, facilito los mismos de la forma habitual.

+'Mirrored', Battles. Rock de estructuras matemáticas que incluso se podría bailar. [link]
+'She's about to cross my mind', The Red Button. Pop de aroma clásico, tal y como se hacía en los 60. [link]
+'The Besnard Lakes are the dark horse', The Besnard Lakes. La mejor versión del shoegazing de los últimos tiempos. [link]
+'Scribble Mural Comic Journal', A Sunny Day In Glasgow. Dudo mucho que lo último ed My Bloody Valentine supere este disco de estructuras extremadamente arriesgadas. [link]

Está claro que hay más discos buenos este año, incluso estos pueden no ser los mejores, pero son los que elegí para la encuesta porque han sido los descubrimientos más sorprendentes que he hecho este año. Espero vuestros votos.

(#34) 'Beauty and the Beat', The Go-Go's [1981]

2007-12-17T10:12:00.000+01:00

Éste es el primer disco de esta banda de chicas nacida en plena explosión de colores New-Wave en la costa oeste americana y que se convertiría en una de las de mayor éxito comercial. Con actitud punk y sensibilidad pop, el disco pasea sobre bonitas melodías y armonías vocales llenas de garra. 'Our Lips Are Sealed' y 'We Got The Beat' son los temas estrella del disco, el primero por su increíble encanto y el segundo por su poderío, pero el disco al completo esta lleno de brillantes canciones que acaban por conseguir que termines enganchado a la música de estas cinco chicas, quienes por cierto volvieron siguen en la brecha tras permanecer separadas durante unos años para centrarse en sus trabajos en solitario. Los de mayor impacto fueron los de la vocalista Belinda Carlisle, aunque nunca alcanzaron la importancia de este disco de 1981 que se convirtió en un número 1 de la época y que es sin duda una de las cimas de la New-Wave.

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(#33) 'Omega', Enrique Morente & Lagartija Nick [1996]

2007-12-14T13:01:00.000+01:00

La importancia de este disco dentro de la música hecha en España es extrema. Se trata de un disco fronterizo que fusiona el flamenco más auténtico interpretado por el gran Morente con el rock ruidista y metálico de Lagartija Nick, un combo de lo mñas bizarro que dio como resultado una auténtica obra maestra. Textos de Lorca y Leonard Cohen dan fondo a este disco de incalculable intensidad. Ha sido elegido por numerosas publicaciones como uno de los mejores discos nacionales de todo el siglo XX, y no faltan los motivos. Interpretaciones llenas de sentimiento flamenco de canciones como 'First We Take Manhattan', titulada simplemente 'Manhattan' en Omega, o 'Take this Waltz', 'Pequeño Vals Vienés', se rodean de un apabullante embrujo sonoro. Guitarras españolas y eléctricas, cajón flamenco y batería, palmas, poesía y flamenco. Uno de los cocktailes más estimulantes que una persona puede escuchar.

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(#32) 'Five leaves left', Nick Drake [1969]

2007-12-13T09:01:00.001+01:00

"Pensé que no podía equivocarme con Nick Drake, especialmente en una sala llena de gente con la depre. ¿No le han oído ustedes...? Tío, es como si lograra la más pura esencia de toda la melancolía de este mundo, de todos los infortunios y todos los sueños rotos a los que has debido renunciar, y la vertiera en un diminuto frasco y lo tapara. Y cuando empieza a tocar y a cantar, es como si destapara el frasco y tú pudieras percibir su aroma. Te sientes pegado al asiento, como si estuvieras ante un muro de ruido, pero no lo estás, porque es quietud, y silencio, y no quieres ni respirar para no espantar el prodigio. [...] Así que estaba allí sentado, pensando: tío, esto va a cambiar la vida de esta gente para siempre"[*]

Grabado con nombres como Fairport Convention o Richard Thomson "dando sombra" en el estudio, este es el primero de los tres discos que Nick Drake creo antes de su suicidio. Deliciosamente triste.

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[*] Fragmento de la novela 'En Picado' (Nick Hornby, Ed Anagramas, 2007)

(#31) 'Third Eye', Redd Kross [1990]

2007-12-12T18:43:00.000+01:00

Inspirados por el punk-pop adolescente de The Rezillos o Cheap Trick, esta banda de California que no tiene un nombre demasiado recordado, comenzó su andadura en los finales de los 70 bajo el nombre The Toursits cuando los hermanos Jeff y Steve McDonald todavía iban al instituto. Después, tras idas y venidas, cambios de nombre, y darse a conocer teloneando a Black Flag acabaron firmando en 1990 por Atlantic para editar este su tercer disco, Third Eye. Lleno de melodías pegadizas y canciones con mucho ritmo que se intercalan con medios tiempos tan vibrantes como 'I don't know how to be your friend'. Se trata de un disco que ronda más los terrenos del power-pop que del punk, por lo que supuso el punto de inflexión en su carrera. Un disco que se apodera de tus movimientos rápidamente y que los primeros días puede resultar adictivo si se le coge el punto rápidamente.

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(#30) 'Folklore', 16 Horsepower [2002]

2007-12-09T15:52:00.001+01:00

Lo oscuro de la música de 16 Horsepower nace de las noches en vela en torno a una hoguera en medio de un bosque lleno de osos y lobos, donde un viejo borracho rasguea las cuaerdas de su vieja guitarra entonando viejas tonadillas. De eso, y de la religión. Folklore, como su propio nombre indica, es un conjunto de canciones tradicionales ejecutadas bajo el paradigma sonoro de David Eudene Edwards y los suyos, pero con un tono menos frenético que en sus discos anteriores. El resultado, supuso un cierre espléndido para la carrera de un grupo que desde ya debería poseer la denominación como banda de culto. La audición de este disco reavivará vuestras peores pesadillas, un disco hecho por y para las noches de insomnio. Asegúrense de tener a mano una buena botella de whisky y estén preparados para no desmoronarse ante la belleza de 'Flutter'.

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(#29) 'Millions Now Living Will Never Die', Tortoise [1996]

2007-11-30T19:17:00.000+01:00

Si existe un grupo que deba considerarse como la referencia dentro del rock experimental ese es Tortoise. La formación de Chicago ha estado siempre un paso por delante y sus obras, aún con altibajos, deben ser consideradas como piezas clave para entender la experimentación sonora de los 90. Millions Now Living Will Never Die, además de tener un título precioso, es un disco donde la experimentación se torna en belleza, un disco que demuestra que experimentar no sólo es crear capas y capas de ruido, también se puede mostrar sensibilidad y sobretodo emoción. No se dejen asustar por los 21 minutos de duración de 'Djed', el tema que abre el disco, y permitan que la música evoque en su interior las más hermosas imágenes que puedan imaginar. Música para dejarse llevar.

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(#28) 'Nebraska', Bruce Springsteen [1982]

2007-11-30T12:42:00.000+01:00

Nebraska es, para mí, la obra maestra de Bruce Springsteen. Quizá su falta de pretensiones le da el encanto necesario para convertirse en un gran disco. La historia revela que Nebraska es un disco de demos, maquetas que resultan más interesantes tocadas así en solitario, con el único acompañamiento de una guitarra acústica y en ocasiones una armónica, que si fueran interpretadas por la sobrecargada E Street Band. Ésta es la cara que Springsteen debería haber adoptado siempre, al final su carrera se ha convertido en un artilugio comercial que satura a cualquiera. Espero que esta inesperada elección para los discos imprescindibles no borre de la lista de visitas a nadie. Las cosas como son, Springsteen también ha hecho buenos discos, menos de los que algunos dicen pero los ha hecho.

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(#27) 'Live at the Star Club Hamburg', Jerry Lee Lewis [1965]

2007-11-27T17:20:00.000+01:00

Los discos en directo son más frecuentes de lo que deberían. La mayoría de las veces son simples artefactos comerciales que no aportan absolutamente nada, pero en algunas ocasiones se convierten en joyas de incalculable valor. Ahí están por ejemplo: el Apollo de James Brown, el Folsom Prison de Johnny Cash, el Budokan de Cheap Trick, y podría seguir. De entre todas las joyas, que tampoco es que sean demasiadas, resalta especialmente este directo de Jerry Lee, una auténtica orgía de rock'n'roll registrada en el viejo continente. El despliegue sonoro de Lewis al piano es absolutamente brutal. Sus fraseos son totalmente sexuales. Es como juntar a Elvis Presley y Little Richard, reuniendo todo lo bueno de ambos multiplicado por 10. Me imagino a toda la audiencia bailando, sudando, despeinando sus tupés, todo al compás de los más grandes hits de la historia del rock'n'roll. Y todo esto mientras los Beatles hacían las américas. Imprescindible, si no lo has escuchado no eres nadie.

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(#26) 'Greatest Stiffs', Wreckless Eric [2001]

2007-11-14T17:00:00.000+01:00

Este disco es un compendio de las grabaciones de Wreckless Eric (Eric Goulden) para Stiff, el mítico disco que enraizaba en los postulados de Ian Dury, Nick Lowe y Elvis Costello. Goulden es de los malditos de la escena punk británica, que inició su carrera con el superéxito 'Wholo Wide Wolrd' (con el que arranca el disco y que ha sido versionada por más de 20 bandas) pero que posteriormente ha sido olvidado injustamente quedando en el recuerdo únicamente como artista de culto. No fue solo capaz de escribir un hit, como queda de manifiesto al escuchar este disco, pues la grandeza de Wreckless Eric radica, además de en su portentoso nombre artístico, en saber crear canciones de lo más variopintas que nunca dejan de desprender ese aroma alcohólico tan característico de la escena punk británica. No se trata sin embargo de un punk sucio, digamos que esto es más rock'n'roll. Desde luego más próximo a Nick Lowe que a los Sex Pistols.

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(#25) 'Hunky Dory', David Bowie [1971]

2007-11-12T12:24:00.000+01:00

Si algo define a 'Hunky Dory' es que es una especie de compendio estilístico pop. Folk, Dancehall, Pop, Rock,... Supuso una vuelta a la vertiente de cantautor de Bowie sin perder el poderoso estilo que ha caracterizado al duque durante toda su carrera. La ambigüedad de Bowie, como siempre, muy marcada ya desde la portada, está presente. Como presentes están los clásicos, 'Changes', 'Life on Mars?', 'Quicksand',... Es sin duda el paso definitivo que Bowie dio hacia el olimpo de la música pop, su primera obra maestra (publicada un año antes que Ziggy Stardust), y un disco fundamental para entender los inicios del glam.

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(#24) 'Animalism', The Animals [1966]

2007-11-08T12:05:00.000+01:00

Este disco, editado exclusivamente en el mercado norteamericano después de que la banda anunciara su cese de actividades, paso prácticamente inadvertido en el momento de su lanzamiento y se convirtió en una pieza difícil de conseguir hasta que fue reeditado en CD en el año 2006. A pesar de ello presenta al line-up original de la banda en estado de gracia. Versiones de Zappa, Howlin' Wolf, Muddy Waters o Sam Cooke, por citar a algunos, grabadas a lo largo de 1966 que muestran a unos músicos totalmente asentados y a un Burdon cantando como nunca. El último disco de The Animals como tal agita de principio a fin y es sin duda uno de los discos más importantes de la década de los 60. Después llegarían los discos de Eric Burdon que, aunque tienen sus momentos de gloria, nunca llegarían a estremecer tanto como este disco.

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(#23) 'I Never Loved a Man the Way I Love You', Aretha Franklin [1967]

2007-11-07T14:37:00.000+01:00

Posiblemente este sea el primer gran disco de la carrera en solitario de la reina del soul. Un poderoso despliegue de facultades vocales que arranca vibrante con su visión de 'Respect' (tema compuesto por Ottis Redding). Lo más importante de este disco es que no se trata de un disco construido a partir de un hit, de principio a final ofrece fuerza y emoción a raudales. A lo largo de los 11 temas encontramos fantásticas versiones de clásicos de Redding (el adelantado 'Respect'), Ray Charles ('Drown in my own tears') o Sam Cooke ('Good Times' y 'Change is Gonna Come') y temas propios de la diva ('Don't Let Me Lose This Dream', 'Baby, Baby, Baby' o 'Save Me'). La más poderosa voz femenina del soul ofrece en este su primer disco para Atlantic una de las experiencias más gratificantes que la música pop ha proporcionado. De principio a fin una obra maestra.

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(#22) 'From home to home', Fairfield Parlour [1970]

2007-11-06T17:44:00.000+01:00

En realidad, tras el nombre de Fairfield Parlour lo que nos encontramos es a la formación de Kaleidoscope (los británicos, no confundir con los norteamericanos). Y la música es más o menos la misma, simplemente se trata de un disco de Kaleidoscope editado bajo otro nombre. Ahora bien, por qué éste y no uno de los otros discos de Kaleidoscope. Porque adoro lo que ofrece este disco. Las bellas armonías vocales, los ácidos acordes de psicodelia, y la preciosa portada. Con momentos que podrían recordar a los tardíos Beatles, en realidad este disco no me parece que merezca ser recordado por eso. Me parece mucho más importante resaltar la belleza de las canciones que contiene. Un clásico en el olvido.

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(#21) 'Staring At The Sea', The Cure [1986]

2007-11-02T10:51:00.000+01:00

El que hace el número 21 de la lista de discos imprescindibles es un recopilatorio de la primera etapa (76-86) de los británicos The Cure. Como consecuencia, están gran parte de sus mejores canciones. Pero en realidad este recopilatorio es más que una simple selección de hits, por alguna extraña razón el conjunto es tan compacto que puede pasar por un álbum único, y uno de los más influyentes de toda la década de los 80. A Robert Smith se le perdonan los pelos que se gasta porque las canciones que construyó en este periodo son de un color tan hermosamente gris que paralizan. Desde su arranque punk con la polémica 'Killing an arab' y '10:15 Saturday Night' hasta los temas más pop del grupo como 'In Between Days' o 'Close to me', pasando por las canciones para la historia 'A Forest', 'Play for Today', 'Other Voices' y 'Charlotte Sometimes'. El disco de The Cure que obligatoriamente hay que escuchar.

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(#20) 'Tropicalia: A Brazilian Revolution in Sound', Varios [2006]

2007-10-30T19:52:00.001+01:00

Editado por Soul Jazz Records, 'Tropicalia: A Brazilian Revolution in Sound' es un recopilatorio esencial para entender los rumbos que la música brasileña tomó allá por el final de la década de los 60, lo que se dio en llamar el movimiento Tropicalia. Caetano Veloso, Gilberto Gil, Os Mutantes, Tom Zé o Gal Costa son las referencias del movimiento y son los nombres que dan forma a este disco en su totalidad. 20 canciones de ritmos calientes que mezclan la música de vanguardia con la psicodelia, el rock, el funk y el soul. Escuchar este disco supone encontrarse con la música que ha inspirado a referentes actuales como David Byrne, Beck, Stereolab o Tortoise. Uno de los recopilatorios fundamentales para entender la historia de la música. Como reza el lema: 'Está prohibido prohibir'.

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(#19) 'Me and a Monkey on the Moon', Felt [1989]

2007-10-29T09:38:00.000+01:00

Felt (1981-1989) era el primer proyecto tras el que se escondió Lawrence (Hayward), el enigmático artista influido enormemente por Tom Verlaine que posteriormente formaría Denim y más recientemente Go Kart Mozart. Y su último disco (como Felt), este que nos ocupa, es posiblemente su cima compositiva. Lleno de agridulces melodías el disco se puede entender casi como la obra póstuma de un artista que llegando al final de su carrera decide hacer balance de su vida. Es una obra descaradamente autobiográfica en la que casi todas las canciones tienen en su primer verso la palabra 'Yo'. Resulta estimulante el arsenal de teclados que se emplea en el disco, todos a cargo de Martin Duffy, y resulta sorprendente encontrarse con arreglos que nunca antes la música de Felt había tenido (coros, solos de guitarra,...). 'Me and a Monkey on the Moon' es un disco hermoso que representó un punto y aparte en la carrera de Lawrence pues sus trabajos posteriores se encaminaron hacia otras latitudes, nada reprochables por cierto.

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(#18) 'Paris 1919', John Cale [1973]

2007-10-26T17:50:00.001+02:00

Tras su (lógica) desvinculación de The Velvet Underground, John Cale comenzó una apasionante carrera en solitario que ha ofrecido como resultado numerosos discos, unos mejores que otros. De entre todos ellos destaca especialmente este 'Paris 1919' que además es uno de los discos más accesibles del artista. El disco arranca vibrante y cálido con 'Child's Christmast in Wales' y a lo largo de sus 9 temas ofrece de todo un poco. Un disco en el que se pasa del pegadizo ritmo de 'Macbeth' a las fabulosas orquestaciones de 'Paris 1919' en un abrir y cerrar de ojos y que termina con la delicada 'Antartica Stands Here'. La carrera de John Cale tuvo con este disco su primer momento para la historia, después llegarían otros, aunque quizá no sean ni tan bellos ni tengan el encanto que desprende este disco.

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(#17) 'Crazy Horse', Crazy Horse [1971]

2007-10-26T17:11:00.000+02:00

Se dieron a conocer como la banda de acompañamiento de Neil Young, tanto en directo como en los primeros álbumes del mito (la relación se sigue manteniendo en la actualidad), y pronto tuvieron la oportunidad de demostrar sus cualidades sin el respaldo de Young con este fabuloso disco. Acompañados por Ry Cooder y Jack Nitzsche en algunos de los temas consiguieron reunir una variada colección de canciones que nada tienen que envidiar a los mejores discos de Neil Young & Crazy Horse. Algunas de las canciones de este disco serían incorporadas posteriormente al repertorio de Young en directo ('Dance, Dance, Dance' es un ejemplo de ello) y otras pasarían a la historia como obras propias de Crazy Horse, obras que tienen un enorme peso en la historia de la música popular. Rock y mucho campo es lo que este disco ofrece en cada uno de sus rincones, un disco de una super-banda que por si sola debería haber pasado a la historia pero que, al igual que lo que ocurriría con The Band, necesitaron esconderse tras un mastodóntico nombre para saltar al Olimpo del rock.

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(#16) 'Blonde on Blonde', Bob Dylan [1966]

2007-10-22T16:56:00.001+02:00

Sugerir la escucha de 'Blonde on Blonde' no es ningún alarde de originalidad. Se trata de Bob Dylan, y no creo que descubra nada nuevo a nadie, pero si soy fiel al título del blog no tengo otra opción que colocar antes o después este disco. 'Blonde on Blonde' se considera el primer álbum doble de la historia del rock, aunque si se hacen con una copia en CD encontrarán un único compacto. En cualquier caso, se escuche como se escuche, el disco es sin lugar a dudas una de las colecciones de canciones más maravillosas de la historia. Catorce memorables canciones que dieron forma al séptimo disco de Dylan y que cerraron su primera etapa pues salieron al mercado justo antes de su accidente de motocicleta. El disco se grabó a caballo entre Nueva York y Nashville justo después de unas controvertidas actuaciones de Dylan en Inglaterra. Fue el primer disco en el que Dylan se rodeó de los miembros de The Band, por aquel entonces The Hawks. 'Visions of Johanna', 'Just Like a Woman', 'I Want You' o 'Sad Eyed Lady of the Lowlands' son algunas de las mejores canciones de la carrera de Bob Dylan y están todas ellas en este asombroso disco, el de la portada borrosa, un disco en el que el folk, el blues y el rock se abrazan eternamente.

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Versos para la historia: "She takes just like a woman, yes, she does. She makes love just like a woman, yes, she does. And she aches just like a woman. But she breaks just like a little girl"

(#15) 'Teenage Head', Flamin' Groovies [1971]

2007-10-19T17:09:00.000+02:00

Leo en allmusic que Miriam Linna, miembro de The Cramps, dijo una vez que la etapa de Roy Loney en los Flamin' Groovies sonaba como si The Rolling Stones hubieran utilizado el catálogo de Sun Records en lugar del de Chess Records. La verdad es que no sé si es una afirmación acertada o no, pero creo que si ponemos este disco a alguien que nunca haya escuchado a Flamin' Groovies probablemente pensará que se trata de un disco oculto de The Rolling Stones. El disco es arrollador cuando toca 'rockanrolear' y tremendamente sentido en los blueses, pero siempre está presente ese toque tradicional, ese homenaje a las raíces. Uno de los grandes discos de esta fundamental banda que posteriormente endulzaría sus sonidos para ofrecer otra joya quizá todavía más brillante, pero no adelantemos acontecimientos. Creo que me agredecerán de por vida haberles descubierto este disco si es que todavía no lo conocían.

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(#14) 'Radios Appear', Radio Birdman [1978]

2007-10-18T22:21:00.000+02:00

Las bandas de mayor éxito dentro del movimiento punk de finales de los 70 fueron las británicas, de eso no hay duda. Y no hace falta que de nombres. Sin embargo en otros lugares del planeta también se hizo música punk muy a tener en cuenta. En Australia The Saints y Radio Birdman fueron los referentes. De estos últimos he seleccionado su primer álbum como un disco que todo el mundo debería escuchar porque lo considero pieza clave para entender el punk más auténtico. 'Radios Appear' es un torbellino de guitarras y ritmos acelerados que sin descanso dispara grandiosas canciones. Punk del bueno, del que mezcla rabia con melodías para producir himnos. Sorprende, o quizá no tanto, encontrar el clásico de la psicodelia 'You're gonna miss me' (13th Floor Elevators) versionado entre todas las composiciones propias (influenciadas entre otros por The Stooges por cierto).

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(#13) 'Spiderland', Slint [1991]

2007-10-18T21:54:00.000+02:00

Las oscuras callejuelas que 'Spiderland' ofrece no son para nada acogedoras. Al contrario, es fácil sentirse incomodo dentro de ellas y tener ganas de salir corriendo. Pero la vida es cosa de riesgos y aunque de buenas a primeras el segundo y último disco de los norteamericanos Slint parezca un enemigo, cuando se le da la oportunidad que merece es posible que poco a poco se empiece vislumbrar una grata recompensa en el fondo del callejón. Porque 'Spiderland' no es otra cosa más que una de las obras cumbre del post-rock, hecha cuando tenía sentido hablar de post-rock, y enorme influencia para los trabajos posteriores de tantas y tantas bandas. Los Slint, que fueron fotografiados por Will Oldham para la portada de este 'Spiderland', alcanzaron su cima creativa con este disco que además debe ser considerado como la pieza clave que es, aún sin ser una obra perfecta. Aún así, no está hecho para todos los oídos. Yo aviso.

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Sugerencia de robertolaiz

(#12) 'Apple Venus Pt. 1', XTC [1999]

2007-10-15T19:09:00.000+02:00

La trayectoria de XTC ha tenido numerosos altibajos. Difíciles de clasificar dentro de un movimiento hay quien los colocó dentro de la New Wave en sus inicios pero siempre han tenido un matiz ácido en sus canciones pop que los han acercado más a The Beach Boys. Precisamente este disco es una de sus obras que en mayor medida muestran este carácter. Editado tras un parón de siete años e inmersos ya de lleno en su ausencia definitiva de los escenarios, 'Apple Venus Pt. 1' es una apasionante colección de canciones de orfebrería pop que supuso una vuelta por la puerta grande al mercado musical, que abandonaron con otro gran disco, 'Nonsuch', aunque a este le tenga menos cariño. Si se adentran en este maravilloso álbum degustarán además el último gran disco de XTC, pues la terna posterior no deja de ser una serie de entretenimientos que no posee la entidad de este asombroso disco.

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(#11) 'The Days of Wine and Roses', Dream Syndicate [1982]

2007-10-14T13:10:00.000+02:00

Dream Syndicate fueron la banda de mayor reconocimiento del sonido Paisley Underground. Su líder, Steve Wynn, todavía hoy mantiene un status de figura de culto, muy merecido dicho sea de paso. El primer disco de la banda fue este 'The Days of Wine and Roses', una gran obra de rock underground de matices ligeramente psicodélicos y toneladas de guitarras sucias. Es sin duda un disco que se encuentra entre las obras más importantes del underground norteamericano y que puede entenderse como el eslabón perdido entre The Velvet Underground y nombres como Pavement o Sonic Youth. Repleto de fantásticas canciones desde su inicio con 'Tell me when it's over' hasta su final con la canción que da título al disco. Es uno de mis discos favoritos.

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Via: Punch Drunk

(#10) 'Car Wheels on a Gravel Road', Lucinda Williams [1998]

2007-10-14T12:58:00.000+02:00

Este es uno de los mejores discos de los 90. Una maravillosa obra de americana adulta en la que una de las voces femeninas más poderosas de toda norteamérica, justo a la par de la de Patti Smith, ofrece una apabullante experiencia. Canciones grandes como los camiones que recorren américa de costa a costa por esas enormes autopistas. Llenas de experiencias personales. Lucinda
es una de las reinas de la música norteamericana. Posee exito comercial, recibe premios, la crítica la adora y decir que escuchas sus discos queda lo suficientemente cool para no sentirte avergonzado. Quiero decir, no es como reconocer que escuchas country clásico, que por cierto lo hago muy a menudo. Y este disco es su obra más importante, hecho a mitad de su carrera, siendo artísticamente madura y sin haberse visto corrompida por la presión mediática que parece que últimamente si que ha hecho algo de mella, no mucha, en la calidad de sus discos, todos podemos fallar de vez en cuando. Aunque luego aparecen directos desde el Filmore que despejan toda duda sobre ella. Una diosa.

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(#9) 'Quah', Jorma Kaukonen [1974]

2007-10-13T12:53:00.000+02:00

Uno de los guitarristas de acústica más grandes que jamás hayan existido. Miembro de Jefferson Airplane, inició su carrera en solitario en 1974 con este disco que resume sus influencias folk/blues en contraposición a su trabajo anterior y al camino que siguieron sus antiguos compañeros. Un trabajo calmado en el que demuestra que toca la guitarra acústica como nadie, y que además poseé una fantástica habilidad para crear canciones. Algunos temas tradicionales y composiciones ajenas completan el disco donde destacan canciones como 'Genesis', 'Song for the North Star' (donde aparecen ecos de un primerizo Nick Drake) o la versión de 'I am the light of this world' compuesta por el reverendo Gary Davis.

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(#8) 'Rev Up', The Revillos [1980]

2007-10-13T12:29:00.000+02:00

WOW! ¡Qué grandes! La secuela de los Rezillos, se llamaron los Revillos. Siguieron siendo tan gamberros como antes y siguieron haciendo canciones totalemente locas que son perfectas para soltar tensiones, alegrarte una mañana de Lunes o volver loca a tu madre en la mañana de un Sábado. ¡Qué vivan los Revillos! Este disco está lleno de canciones geniales: 'Rev Up', 'Rock-A-Boom', 'Voodoo', 'Hippy Hippy Sheik',... Una especie de mezcla entre los Cramps y los B-52s. Una locura. Y una muestra más de que los 80 no son una época que olvidar, vale que después la cosa se torció pero se pueden encontrar discos que merecen mucho la pena buceando un poco, a lo largo de estas entradas apareceran muchos.

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(#7) '96 Tears', Question Mark and The Mysterians [1966]

2007-10-11T13:06:00.002+02:00

Parto de la base de que Question Mark (?) and The Mysterians merecen ser recordados únicamente por una canción. Si no se hubieran sacado de la manga '96 Tears' no deberían perder el tiemo escuchando este disco, que aunque es bastante resultón no deja de ser un disco más de los muchos interesantes que se facturaban en aquellos años. Garaje Rock no muy gamberro, órgano por doquier y ritmos rhythm'n'blues de los de toda la vida. Pero amigos, '96 Tears' es una canción enorme, y como está bien acompañada por el resto del disco, resulta que el primer disco de ? and The Mysterians es un disco que todos deberíamos escuchar. Contiene algunos temas perfectos para guateques sesenteros, de esos en los que las chicas menean sus cabezas alborotando sus cabellos rubios. Al menos así igual alguno más se anima a escuchar el disco.

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(#6) 'Hollywood Holiday Revisited', True West [2007]

2007-10-10T14:47:00.000+02:00

True West se movían dentro del sonido paisley underground. ¿Que qué es esto del paisley? Pues es la etiqueta que se usaba en la década de los 80 para designar al rock producido en la costa oeste norteamericana y que recogía influencias de la psicodelia de guitarras y de las armonías vocales del folk rock . Vamos, una especie de híbrido entre The Velvet Underground y The Byrds. Lo que pasa es que True West eran el patito feo del sonido paisley. Sin alcance mediático, sin nadie importante que les respaldara. Sólo el nombre de Tom Verlaine resalta en su biografía, y es que Verlaine registró unas demos para ellos en una ocasión. La música de True West es hermosa, guitarras a lo Television, versiones de los primeros Pink Floyd, bonitas melodías,... mi mejor descubrimiento de este año. Y todo gracias a este disco, una reedición conjunta de sus dos primeros discos (Hollywood Holiday [1983] y Drifters [1984]) que están acompañados por las tres demos que grabó Tom Verlaine para ellos.

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(#5) 'Lady in Satin', Billie Holiday [1958]

2007-10-09T11:56:00.000+02:00

De Billie Holiday se escuchan cosas como que sus excesos provocaron un colapso en su capacidad vocal y que por lo tanto sus últimos trabajos son prescindibles. Todo eso se convierte en una falacia cuando se escucha este disco. Porque aquí, Billie Holiday muestra una voz efectivamente maltratada por su dura vida, pero que gana enormemente en expresividad y matices, y que digan lo que digan pone los pelos de punta. éste es sin duda mi disco favorito de jazz vocal y creo que un disco que todo el mundo debería escuchar sobretodo porque resulta inquietantemente acogedor.

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(#4) 'Seconds of Pleasure, Rockpile [1980]'

2007-10-09T10:03:00.000+02:00

Rockpile eran Dave Edmunds y Nick Lowe y juntos fabricaron uno de los discos imprescindibles y más adorables de la New Wave. Lo más grande del disco es el tremendo tributo que en él se hace al rock'n'roll de nombres como Chuck Berry o The Everly Brothers, todo con un tono saltarín que la crítica no esperaba por tratarse de un proyecto conjunto de Lowe y Edmunds. Puede que eso hiciera que en su época el disco no estuviera todo lo bien considerado que lo ha estado después. Clásicos instantáneos como 'Heart' o 'Teacher Teacher' alegran a cualquiera el día. La reedición del disco incluyó una serie de interpretaciones acústicas de temas de The Everly Brothers entre otros, que no suponen otra cosa más que un aliciente más de los muchos que este disco reune.

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(#3)'Down with Wilco', The Minus 5 [2003]

2007-10-07T21:32:00.000+02:00

Uno de los discos conjuntos más maravillosos que se pueden encontrar, resultado de la colaboración entre el proyecto paralelo The Minus 5 (Scott McCaughey [Young Fresh Fellows] y Peter Buck [REM]) y Wilco dio como resultado un fantástico artefacto pop influenciado a partes iguales por la psicodelia, el pop de guitarras y el pop de cámara. Un disco que resulta un placer para los sentidos desde su inicio hasta su final, en el que podemos encontrar desde detalles country a campanitas al más puro estilo Spector en su 'Christmast Gift'. Sin duda alguna un disco poco conocido que merece la pena descubrir, no sólo si se es un seguidor de Wilco o REM, si no también porque en él se encuentra dispersado todo un mundo de estímulos en clave pop. Uno de los discos que más me gustó descubrir.

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(#2) 'Carter Family: (1927-1934)', The Carter Family [2002]

2007-10-07T21:22:00.000+02:00

El folk tradicional norteamericano es posiblemente el primer movimiento musical que se registró y por ello es una de las piezas clave para entender la música popular. Las grabaciones de Robert Johnson son quizá el momento cumbré pero está seguido de cerca por otros nombres. The Carter Family es uno de ellos y esta caja recopilatoria de cinco discos recoge todas las grabaciones que entre 1927 y 1934 realizó la entrañable familia, toda una institución del folk clásico norteamericano y probablemente el nombre más influyente en la historia del country, junto al de Hank Williams. Esto es una escucha dura, no voy a engañaros. Son grabaciones precarias, acordes con su época, que han llegado hasta nuestros días en condiciones aceptables. Presentadas en orden cronológico, las 126 canciones son pieza clave en cualquier colección que se precie. Si sois adictos a los clásicos no podéis dejar de tener esta caja. Posteriormente aparecerían otras cajas que recogen los periodos posteriores, pero no reunen la importancia de ésta.

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(#1) 'Forever Changes', Love [1967]

2007-10-07T15:39:00.000+02:00

Love fueron una de las bandas de mayor importancia de toda la costa oeste norteamericana, quizá no fueron unas grandísimas estrellas pero con el paso de los años han perdurado como una de las bandas más influyentes. 'Forever Changes' es el típico disco que el no iniciado se pregunta 'qué leches será' al verlo entre los 10 primeros de cualquier lista histórica del rock que se precie. Porque si vas a hacer una lista y no sitúas a 'Forever Changes' entre los 10 primeros no tienes ni idea, eso esta clarísimo. Un disco de psicodélicos sonidos en el que la aparición de instrumentos clásicos y trompetas fronterizas no desentona para nada junto a las magistrales guitarras del señor Arthur Lee, que en paz descanse. Belle & Sebastian o los donostiarras La Buena Vida son nombres que poco parecen tener que ver con Love a priori, aunque una única escucha de 'Forever Changes' hace ver las cosas de diferente manera.

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